Le disque
Letter To The World
Lionel Martin & Sangoma Everett
Lionel Martin (sax, elec) et Sangoma Everett (d, voc), avec Sophia Companion (voc) et Alain Chaleard (Bendir).
Ouch ! Records – V001/27
Sortie le 15 mars 2024
Liste des morceaux
01. « No Guns », Lionel Martin (03:10).
02. « Who Knows », Jimi Hendrix (03:21).
03. « A La Recherche Du Temps Futur », Lionel Martin (02:30).
04. « Letter To The World », Sangoma Everett (03:44).
05. « Afro Blues », Mongo Santamaria (04:31).
06. « Irarrazabal », Yves Cerf (03:25).
07. « Fane », Sangoma Everett & Bruno Delanchy (03:59).
08. « Chazelles », Sangoma Everett & Bruno Delanchy (02:45).
09. « I'Am Talking To The Wall », Sangoma Everett & Lionel Martin (05:07).
10. « Ni Dieu Ni Maître », Lionel Martin (03:29).
09 avril 2024
Letter To The World – Lionel Martin & Sangoma Everett
07 avril 2024
Floating – Poécordes
Au répertoire de Floating, pas moins de quinze morceaux, pour la plupart des compositions instantanées, dont les titres, parsemés de jeux de mots, évoquent la musique avec « Vagabondage harmonique », « Tapin tonique » (pour le tambour militaire, évidemment !), « Pin-pon » (merci les véhicules prioritaires) et « Chromatic Walk » (L’entrée des gladiateurs…), la poésie (« Au creux de ton oreille », « L’oiseau prie », « Petit matin lyonnais »…), deux hommages à des musiciens (« A Kiss To Keith » pour Keith Jarrett et « Parlure (ses cils, dès lors) » que nous pouvons imaginer dédié à Cecil Taylor), des « Forteresses » esseulées et, pour introduire et conclure l’album, les logiques « Comme un départ » et « Séparations ».
« Comme un départ » pose les bases de la musique du duo : un piano qui se promène avec agilité sur les quatre-vingt huit touches, en alternant traits véloces et motifs mélodico-rythmiques plus lents, et une batterie particulièrement mélodieuse, qui, sur une assise régulière, varie les rudiments au grès des propos de son compère. Les morceaux marient swing solide et embardées free dans des successions de tableaux, construits en fonction des idées que les deux musiciens saisissent au bond. Les ambiances sont éclectiques : néo-bop vif (« Vagabondage harmonique I »), quasi latin-jazz (« Vagabondage harmonique II »), voire caribéenne (« Tapin tonique II »), Africaine (« Tapin tonique I »), ballade mystérieuse sur une rythmique imposante (« Au creux de ton oreille »), classique (dans une veine Erik Satie avec « Petit matin lyonnais ») ou romantique pimentée de bop (« Vagabondage harmonique III »), musique contemporaine (« L’oiseau prie »), Köln Concert (« A Kiss To Keith »)… Les mouvements mélodiques sont, eux aussi, multiformes, de légers et dansants (« Vagabondage harmonique II ») ou sautillants (« Petit matin lyonnais »), à élégants (« Vagabondage harmonique III ») ou emphatiques (« Forteresses »), et, le plus souvent, bondissants (« Parlure (ses cils, dès lors) ») et véloces (« Tapin tonique II »), avec des phrases heurtées (« Tapin tonique I »). La plupart des morceaux sont entraînants (« Vagabondage harmonique I ») et se balancent habilement (« Séparations »). Les riffs du piano se marient aux rythmes touffus de la batterie (« Petit matin lyonnais »). Bec en impose avec sa sonorité brute et charnelle (« Vagabondage harmonique II »), ses mailloches majestueuses à la Jack DeJohnette (« A Kiss To Keith »), son chabada tendu (« Chromatic Walk »), ses crépitements (« Forteresses ») ou son jeu ultra-dynamique (« Pin-pon »). A côté des variations torturées (« L'oiseau prie ») et dissonantes (« Séparations »), ou des discours denses (« Vagabondage harmonique III ») et imprévisibles (« Parlure (ses cils, dès lors) »), de Larrard ne manque pas d’humour (« Petit matin lyonnais »).
Malin du début à la fin, Floating est un cocktail savoureux d’équilibre et de liberté.
Le disque
Floating
Poécordes
François de Larrard (p) et Mathieu Bec (d)
Mazeto Square
Sortie le 23 février 2024
Liste de morceaux
01. « Comme un départ » (6:05).
02. « Vagabondage harmonique I » (5:20).
03. « Au creux de ton oreille » (4:23).
04. « L'oiseau prie » (3:45).
05. « Vagabondage harmonique II » (3:49).
06. « A Kiss To Keith » (4:53).
07. « Petit matin lyonnais » (3:36).
08. « Chromatic Walk » (6:08).
09. « Pin-pon » (2:52).
10. « Vagabondage harmonique III » (4:43).
11. « Forteresses » (4:07).
12. « Tapin tonique I » (4:08).
13. « Parlure (ses cils, dès lors) » (6:25).
14. « Tapin tonique II » (3:53).
15. « Séparations » (3:44).
Toutes les compositions sont signées de Larrard et Bec.
04 avril 2024
La vie d’après – Duo Brady
Michèle Pierre et Paul Colomb montent le Duo Brady en 2010, du nom d’un passage du Xe arrondissement de Paris où, depuis trois ans, ils organisent un festival en juillet. Forts de leur passé classique – CNSM de Paris pour l’une et HEMU de Lausanne pour l’autre – et d’une instrumentation unique – deux violoncelles – le duo prend un malin plaisir à brouiller les pistes, du jazz à la musique contemporaine, en passant par les musiques actuelles.
Le disque
Liste des morceaux
30 mars 2024
Soirée Daniel Humair au Triton
Le 16 mars 2024, Le Triton célèbre Daniel Humair, peintre et musicien, avec un vernissage à dix-huit heures trente et un concert à vingt heures trente. Le temps de profiter d’un délicieux dîner proposé par le chef Alain Chenard…
Côté peinture, une quinzaine de tableaux est disséminée sur les murs du restaurant. De format moyen, rectangulaires ou carrés, la plupart des tableaux sont peints sur papier marouflé collé sur toile. Le style d’Humair est reconnaissable entre tous. Des fonds souvent monochromes, mais jamais en aplat, plutôt rugueux, piqués, striés, tâchés… dans des couleurs plutôt vives, avec des bleus, des verts, des oranges… Et sur ces arrière-plans, des formes irrégulières se superposent, se jouxtent ou se croisent. Elles aussi sont colorées, avec ce même aspect brut que le fond. Leurs contours, clairement tracés, comme pour des vitraux, les mettent encore davantage en relief. Ces œuvres dégagent une impression de puissance, tant la matière est omniprésente.
Côté musique, le trio est dans la lignée de Modern Art (2017) et de Drum Thing (2020), avec Vincent Lê Quang aux saxophones ténor et soprano, et Christophe Hache à la contrebasse, qui remplace au pied levé Stéphane Kerecki. Sur Drum Thing le trio avait invité le trompettiste Yoann Loustalot. Pour le concert, c’est le tromboniste Samuel Blaser, compatriote d’Humair et membre de l’Heleveticus Trio (avec Heiri Känzig) qui se joint aux trois musiciens.
La soirée commence sur les chapeaux de roue avec « Jim Dine », une composition d’Humair dédiée à l’artiste américain et repris de Modern Art. Le déroulé du morceau reflète tout à fait l’esprit de la musique du plus Français des batteurs Suisse. Sur une batterie mate, sèche, furibonde, et une contrebasse carrée, saxophone et trombone mêlent leurs voix, entre lignes en pointillés, phrases étirées, questions-réponses sportives et contre-chants mordants. La rythmique, elle, alterne dialogues avec les soufflants et walking – chabada. Le tout, dans une ambiance dynamique à souhait !
« Genevamalgame » est un autre morceau d’Humair, d’abord joué en 2004 au festival Jazz à la Vilette, avec George Garzone et Tony Malaby aux saxophones ténors, Manu Codjia à la guitare et Anthony Cox à la contrebasse. Le morceau figure également au programme d’Our Way, de l’Helveticus Trio, dont la sortie est prévue en mai 2024. Après un démarrage majestueux – cymbales solennelles, pédale de basse, et bourdon ou riff du ténor et du trombone – la rythmique, qui ne tient pas longtemps en place, part au galop dans une walking et un chabada effrénés. Blaser et Lê Quang brodent au-dessus de cette atmosphère luxuriante, tantôt calmement, tantôt nerveusement, en solo ou à deux, mais toujours avec une tension sous-jacente. Le quartet termine sur un « quadrilogue » aux accents Africains, avant de conclure en mode fanfare néo-orléanaise free…
Samuel Blaser - Christophe Hache - Vincent Lê Quang - Daniel Humair (c) PLM |
Humair
dédie le concert à Sylvain Luc, décédé beaucoup trop tôt,
le 13 mars
2024. Le quartet interprète « Deborah etc. »,
librement inspiré du thème qu’Ennio
Morricone a écrit pour Il était une fois l’Amérique.
L’air, légèrement accroche-cœur,
est exposé en contrepoints par le trombone et le ténor, lentement,
comme une ode, sur une batterie cérémonieuse et une contrebasse
grave. Le développement se base sur un dialogue tout en douceur
entre Blaser et Lê Quang, porté par une rythmique légère et
entraînante.
« More Tuna » de Joachim Kühn rappelle de bons vieux souvenirs, et le splendide disque Triple Entente, enregistré en 1998 avec le regretté Jean-François Jenny-Clark. Le chorus d’ouverture d’Humair sur les tambours est solaire ! Après une introduction en forme de contre-chants, le saxophone et le trombone exposent à l’unisson un thème-riff gaillard, dans une veine quasiment hard-bop. Soutenus par le foisonnement puissant d’Humair et la walking solide d’Hache, Blaser et Lê Quang prennent la poudre d’escampette pour rejoindre des contrées free, laissant juste la place pour une intervention mélodieuse de la contrebasse.
Daniel Humair - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM |
« Morceau tragique », comme le présente Humair, « Drama Drome » apparaît en 2003 sur Baby Boom, avec Matthieu Donarier, Christophe Monniot, Codjia et Sébastien Boisseau. Très cinégénique, propulsé par les balais et les motifs minimalistes de la contrebasse, qui prennent parfois des teintes bluesy, le saxophone et le trombone interagissent en toute intelligence, avec des constructions souvent proches de la musique contemporaine.
Autre réminiscence du passé, « Mutinerie » a été écrit en 1998 par Michel Portal (Dockings – Markus Stockhausen, Steve Swallow, Bruno Chevillon, Bojan Z et Joey Baron) et repris par Humair, en 2001 dans Liberté Surveillée (Ellery Eskelin, Marc Ducret et Chevillon), en 2017 dans Seasoning (Lê Quang, Emil Spanyi et Kerecki) et en 2020 dans Drum Thing. Entre la rythmique abrupte, véloce et musclée, l’unisson sur le thème-riff aux accents folk, les accélérations brutales, les variations de volume et les envolées free du trombone et du saxophone soprano, « Mutinerie » est un morceau particulièrement dense !
Vincent Lê Quang - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM |
En guise d’introduction de « High Society », marche écrite par Porter Steele en 1901, Humair, qui est d’humeur loquace, raconte sa découverte du jazz : « quand j’étais petit… A Genève… Ma Maman… Elle écoutait les Compagnons de la chanson avec Edith Piaf, « Les trois cloches » ... Une cloche sooonnneu, sooonnnneu… bon et cetera. Ensuite on s’est farci un disque épouvantable qui s’appelle « Y dit le cochon » dont je vous passerai les paroles un jour, et le troisième morceau, c’est un morceau de Charles Aznavour, et ça s’appelle « Le feutre taupé ». Donc ce n’est pas vraiment une éducation de jazz. Par contre, à douze ans, un petit camarade est arrivé avec un disque de jazz. Vous vous rendez compte, un septante huit tours, comme on dit en Suisse, de jazz et c’était « Royal Garden Blues » par Mezz Mezzrow, Bill Coleman, je crois, le trombone je ne suis pas sûr, le batteur était Zutty Singleton (1), que vous ne connaissez pas, mais qui était un très grand batteur et qui a fait partie de l’histoire du jazz. Donc à partir de ce moment là j’ai eu le virus et l’un des morceaux les plus connus de cette époque c’était « High Society », avec un solo réputé de clarinette d’Alfonse Picou. et c’était magique, tout le monde essayait de jouer le chorus d’Alfonse Picou. Et mes petits camarades et moi-même avons décidé d’assassiner pour une dernière fois « High Society ». Alors voici, des années où vos parents n’étaient pas nés, voici « High Society » »… Le quartet débute en mode fanfare tonitruante dans le style New Orleans. Que ce soit sur une walking et des chabadas ultra-rapides ou les quatre temps marqués vigoureusement, le trombone et le soprano passent de traits virtuoses joués à l’unisson à des contre-chants agiles, des courtes phrases fuguées, des échanges bluesy, des stop-chorus dixieland… Un jazz authentiquement libre !
Samuel Blaser - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM |
Comme le souligne Humair : « Une particularité dans ce groupe, c’est qu’il n’y a pas de liste ». Et les quatre musiciens de s’amuser en choisissant le morceau qu’ils vont jouer… Le choix se porte finalement sur « Drum Thing 2 » , repris du disque éponyme. Sur une rythmique toujours athlétique et touffue, le ténor et le trombone déploient avec inspiration un thème entre hard-bop et free, coloré d’un zeste de blues. Avant l’épilogue free, le solo massif d’Humair met en relief le poids des peaux et le choc des cymbales !
Retour dans le passé avec « For Flying Out Proud », signé du trompettiste Suisse Franco Ambrosetti. Ce morceau « que nous avions enregistré au XXe siècle avec Woody Shaw, Jon Faddis... Qui il y avait d’autre ?... Kenny Wheeler. Ça s’appelait Trumpetmachine ». Ce super groupe, dirigé par le pianiste George Gruntz, comptait également dans ses rangs les trompettistes Palle Mikkelborg et Mike Zwerin, et le contrebassiste Isla Eckinger. Le disque éponyme est sorti en 1978. Humair ne manque pas également de rappeler au public : « n’oubliez pas d’avoir une pensée pour notre ami qui est parti voir le blues ailleurs »… La mise en route de « For Flying Out Proud » évoque à nouveau un hard-bop trapu, rapide, virtuose… La rythmique exubérante met sous pression le ténor, qui rivalise d’ingéniosité et de célérité, et le trombone, qui attise les flammes et répond astucieusement à la contrebasse. La progression collective du quartet fait la part belle aux ruptures rythmiques, fluctuations sonores et autres jeux sur les timbres.
Christophe Hache - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM |
Suit « un morceau que je joue pour la première fois… que nous avons composé dans le TGV… Première classe parce qu’on n’est pas des rigolos… Et mon camarade Vincent Lê Quang est le nouveau chanteur… C’est une ballade… qui va vous apaiser l’esprit pour rentrer chez vous et regarder la télévision, pour voir des jeunes chanteurs et chanteuses vous chanter des belles choses, où la mélodie c’est [et de taper comme un sourd sur sa batterie]… Un batteur qui jouait très très bien, qui s’appelait André Arpino, avait dit que dans la musique d’aujourd’hui la mélodie était jouée par la grosse caisse… Nous allons vous jouer une vraie mélodie, comme dans le temps… Le temps de la blanquette de veau à l’ancienne… Ça s’appelle ?... » Et Blaser de répondre : « Les grilladines » (pas sûr de la phonétique). Un unisson majestueux, sur une contrebasse économe et des cymbales frémissantes, débouche sur une conversation paisible entre le saxophone et le trombone, soutenue par une polyrythmie entraînante. La montée en tension se fait progressivement, avivée par les envolées free du ténor.
Vincent Lê Quang - Samuel Blaser - Daniel Humair - Christophe Hache (c) PLM |
Le concert s’achève sur une coda menée tambour battant par Humair, pendant que Blaser, Lê Quang et Hache exposent en boucle à l’unisson le « Jackie-Ing » de Thelonious Monk (au programme d’Our Way).
Une exposition de peintures captivante et un concert intense… Que vouloir de plus ? En tous cas, il se passe toujours quelque chose d’inouï dans l’univers d’Humair.
(1) Il s’agit peut-être de l’une de ces deux versions de « Royal Garden blues ».
* Mezzrow-Ladnier Quintet – « Royal Garden Blues » / « If You See Me Comin' » (Swing - 1938) : Mezz Mezzrow (cl), Tommy Ladnier (tp), Teddy Bunn (g), Geo. Pops Foster (b) et Manzie Johnson (d).
* Bill Coleman And His Swing Stars – Jazz A Pleyel N°1 (Swing – 1952) : Bill Coleman (tp, voc), Dickie Wells (tb), Guy Lafitte (cl, ts), Randy Downes (p), Alvin Banks (b) et Zutty Singleton (d).
24 mars 2024
Jazz et papier (suite)
Addendum à l’article du 17 mai 2020
Selon le Panorama de la presse musicale en France publié par le Centre National de la Musique en janvier 2023, de 2011 à 2021, plus d’un quart des points de vente de presse ont fermé et, entre 2009 et 2019, les ventes de la presse musicale se sont effondrées de 34%… Ce n’est un secret pour personne : la presse papier en général languit, la presse papier spécialisée souffre, la presse papier musicale agonise et la presse papier jazz nationale boit le calice !
En dehors de la fin – programmée – d’Improjazz, il n’y a pas eu de changements majeurs depuis le précédent article « Jazz et papier », mais quelques ajouts nécessaires pour parfaire le tableau.
L’Indépendant du Jazz
Un fanzine avant l’heure
En octobre 1974, Jean-François Quievreux, alias Jef Gilson, Gérard Terronès et Jean-Jacques Pussiau lancent L’Indépendant du Jazz, dont une vingtaine de numéros sera publiée.
Ce journal artisanal d’une dizaine de pages, imprimées en offset, uniquement recto et sous forme de feuillets volants – pour pouvoir les regrouper par thème – sert avant tout de vitrine et de catalogue au label Palm (Productions Artistiques, Littéraires et Musicales) créé par Gilson en 1973. Distribué avec les disques du label, vendu 3 F à l’unité ou 12 F sur abonnement, L’Indépendant du Jazz est une publication trimestrielle tirée à mille cinq cents exemplaires.
L’Indépendant du Jazz se définit lui-même comme « un journal différent qui apporte aux problèmes de jazz un éclairage nouveau ». A l’instar de la plupart des magazines musicaux, il propose des entretiens avec des musiciens, comptes-rendus de concerts, chroniques de disques, revue de presse, actualités sur le monde du jazz et théorie musicale.
Plutôt orienté vers le jazz d’avant-garde et le free, L’Indépendant du Jazz s’adresse essentiellement à des « amateurs éclairés ».
Jazz, Blues and Co.
Le jazz, mais pas que...
Colette Sawisky fonde Jazz, Blues and Co. en 1975 et en arrête la publication en juin 1986.
Au démarrage, Jazz, Blues and Co est un mensuel de vingt pages, vendu 2,5 F. Courant 1977, il passe à vingt-quatre pages pour 4 F ou 35 F sur abonnement, pour terminer à 5 F pour un numéro normal et 6 F pour un numéro spécial. A partir de 1978, les numérotations et dates deviennent plus compliquer à suivre : tantôt mensuel, comme le numéro 16 d’avril 1978, le plus souvent bimestriel, couvrant deux numéros et deux mois (par exemple : la revue numérotée 23, 24 pour novembre & décembre 1978), voire trois (les numéros 18, 19, 20 dans l’édition Été 1978).
Si Jazz, Blues and Co. conserve sa taille de 21 cm et une impression en noir et blanc tout au long de sa carrière, en revanche la couverture passe par plusieurs évolutions. Du lancement à mai 1978, un saxophone brandit par un bras noir sert de J au titre JAZZ, BLUES and Co. Puis, à partir de l’été 1978, le saxophone devient un logo qui se détache au-dessus de Jazz, Blues and Co. écrit en cursive sur un fond blanc. Le fond devient noir à compter de l’été 1979, puis, dans les années 80, le saxophone disparaît. Les pages de couvertures sont inamovibles du début à la fin, avec, sur la moitié de la largeur de la page, une photo en bas à gauche et l’éditorial en regard, à droite.
Il n’y a pas de publicité et, comme l’annonce le logo, Jazz, Blues and Co. propose des « documents – disques – interviews – photos ». Si la ligne éditoriale va du jazz au rock’n roll, en mettant l’accent sur des musiciens qui, à l’époque, se tiennent souvent loin des circuits commerciaux majeurs, le blues et le rock se taillent la part du lion. Il y a, par exemple, peu de photos de couverture consacrées à des musiciens de jazz. Coleman Hawkins fait bien la une du numéro 32, 33 d’août & septembre 1979, mais c’est l’exception qui confirme la règle…
Bien que « revue agréable qui ne s’adresse pas uniquement à l’amateur averti », Jazz, Blues and Co. n’aura eu qu’une carrière confidentielle.
Le Jazzophone
Le porte-voix du Centre d’Information Musicale
Édité à deux mille cinq cent exemplaires, Le Jazzophone est sensé être trimestriel, mais il sort irrégulièrement : deux numéros en 1982 (12 et 13), trois numéros en 1979 (2, 3 et 4), 1981 (le double 9 & 10 et 11) et 1983 (14, 15 et 16) et quatre numéros en 1980 (5, 6, 7 et 8). Le premier numéro couvre le quatrième trimestre 1978 et le dernier (numéro 17) correspond au premier trimestre 1984. Imprimé en noir et blanc par l’Imprimerie du Marché Daguerre, Le jazzophone passe par trois formats différents : les huit premiers numéros sont peu ou prou dans un format cahier 24 x 30,5, les cinq suivants restent dans un format cahier de 23 x 31 cm et les quatre derniers passent quasiment en quart-raisin (24 x 32 cm). Les premiers numéros comptent une vingtaine, puis une trentaine de pages, mais dès les numéros 9 et 10, le journal comporte entre soixante et soixante-dix pages. D’abord vendu 6 F jusqu’au numéro 5, il passera à 7 F pour les numéros 7 et 8, puis 15 F pour le numéro double 9 & 10, 8 F pour le numéro 11, 12 F du numéro 12 à 16 et 18 F pour le dernier numéro… Les abonnements augmenteront également par étapes : 25 F, 35 F, 50 F et 60 F… Il y a à peine une douzaine d’encarts publicitaires, dont Selmer, qui fait le quatrième de couverture sur tous les numéros à partir du 9 (excepté le numéro 16). A noter aussi un clin d’œil dans le n°16 de novembre 1983 : une publicité pour s’abonner à Jazz Ensuite, bimestriel lancé en 1983…
Le Jazzophone a du mal à trouver sa couverture. Les quatre premiers sont une pleine page en couleur (violet, vert…) avec deux bandes blanches irrégulières à droite, le titre en haut à gauche, écrit en lettres minuscules, une photo en bas à droite et, en bas à gauche, comme une légende, le sommaire. Pour les trois numéros suivants, il y a une photo en pleine page et le titre prend toute
La
mise en page, sur deux ou trois colonnes, est sobre et agrémentée
de
nombreuses photos et illustrations. L’éditorial – souvent
consacré à la défense du jazz et des musiciens – est rédigé
par Guerrini jusqu’au numéro douze. L’éditorial du numéro 13
est cosigné avec Christine Guerrini, qui succède à son mari
comme rédactrice en chef. Elle signe les trois éditoriaux suivants,
avant que « Le jazzophone » ne conclue pour les deux
derniers numéros. Le ton de Jazzophone est simple, voire
familier, notamment lors des entretiens, avec parfois un petit côté
potache, comme dans « Jazz sur l’échangeur » (numéro
15). Côté contenu, Le jazzophone s’articule autour d’un
dossier sur un instrument (saxophone, batterie, voix, basse,
synthétiseur, voix...) présenté sous forme d’entretiens croisés
ou de textes. Le lecteur trouve également des chroniques,
reportages, nouvelles, articles pros (partition, répertoire, théorie
musicale, conseils juridiques…) etc. Quelques rubriques reviennent
périodiquement : « Chronique d’un flâneur » de
Jean-Claude Quéroy, « Du côté de chez soi » qui
laisse la parole aux clubs de province, « Des nouvelles de
l’Europe », « Clubs, caves et boîtes », « Jazz
sur papier »… Le contenu du Jazzophone est sérieux
et, au grès des numéros, les lecteurs croisent, entre autres, Ivan
Jullien, Jef Gilson, Roger Guérin, André
Villeger, Michel Jonasz et même John Coltrane,
dans un entretien inédit (numéro 16 de novembre 1983).
Le jazzophone a trouvé une formule amusante pour présenter les chroniques de disques : un panel de journalistes (y compris des confrères d’autre revues de jazz), de musiciens, de disquaires et de membres du CIM note les disques de zéro à six. Un tableau récapitulatif chapeaute les citations des chroniqueurs, en regard de la présentation du disque et de sa pochette.
Les contributeurs sont des connaisseurs patentés du jazz à l’instar de Philippe Baudoin, Franck Bergerot, André Francis, Jean Buzelin, François Billard, Pascal Anquetil, Francis Paudras… Et les photographes, en dehors des journalistes eux-mêmes, ne sont pas en reste : Frédéric Lapierre, Thierry Trombert, Christian Rose, Jean-Pierre Leloir...
Le jazzophone reposait sur l’enthousiasme et l’activité débordante de Guerrini, modèle difficilement pérenne, sans compter que c’était un journal sans doute trop spécialisé pour rencontrer un public durable.
A noter qu’en 2014, un Jazzophone nouveau voit le jour à Nice, lancé par Imago Production & Records pour rendre compte de « l’actualité et des concerts du Label Jazz à Nice et des la Riviera Française ».
Jazz Ensuite
Un extra-terrestre reparti trop tôt
En 1983, les éditions Fréquences, créées par Edouard Pastor en 1977 et qui publient notamment La nouvelle revue du son et LED, proposent à Jean Rochard de monter Jazz Ensuite. Après seulement cinq numéros, à l’automne 1984, la revue disparaît et Rochard se consacre au label nato, qu’il a fondé en 1980.
Bimestriel ambitieux, Jazz Ensuite compte 114 pages dans un format proche du B5 (18 x 24 cm), ce qui en fait plutôt un livre qu’un magazine. Il est vendu 30 F et l’abonnement fixé à 160 F, soit une revue haut de gamme. A titre de comparaison, à la même époque, la revue Esprit (in-octavo de 320 pages) est vendue 64 F. Jazz Ensuite est imprimée en noir et blanc par l’imprimerie Berger-Levrault à Nancy et compte peu d’annonces publicitaires (une petite vingtaine, en moyenne). Petit clin d’œil et renvoi d’ascenseur dans le numéro 1 (page 63) : une publicité pour Le Jazzophone...
Modernes et colorisées, les couvertures sont constituées d’une photo en pleine page, avec « jazz » écrit en caractères majuscules en haut sur toute la largeur, et « ensuite », en caractères minuscules, en bas sur toute la largeur, également. Si « ensuite » change de couleur à chaque numéro, « jazz » est soit rempli, soit juste délinéé. La mise en page sur trois colonnes (plus rarement deux) serait austère s’il n’y avait pas de nombreuses photos de qualité pour égayer les textes.
Les unes, prises par Jean-Marc Birraux, annoncent la ligne directrice de la revue : Annick Nozati, Ornette Coleman, Jac Berrocal, Don Cherry et Derek Bailey. Les éditoriaux, tous signés Rochard, sont volontiers provocateurs. En page 6, en face du sommaire, un pêle-mêle de photos et d’illustrations, avec des légendes souvent humoristiques, renvoie aux articles de Jazz Ensuite.
Il est bien dommage que Jazz Ensuite n’ait eu qu’une si brève existence parce que son positionnement, entre la presse jazz généraliste et Les cahiers du jazz, en faisait une revue passionnante !
Sources :
* Archives personnelles
* Panorama de la presse musicale en France – Centre National de la Musique
* La presse musicale en France – Robert Cosials et Gilles Pierret
20 mars 2024
Joce Mienniel et ses instruments migrateurs au Comptoir
Après son rendez-vous de février avec Macha Gharibian et Arnault Cuisinier, le 7 mars 2024, pour le sixième rendez-vous avec ses instruments migrateurs, Joce Mienniel invite Chérif Soumano à la kora, Jozef Dumoulin au piano, à la sanza et aux effets, et Keyvan Chemirani aux percussions persanes : zarb, daf et santûr.
Comme avec tous les instruments migrateurs, Mienniel commence le concert avec « Stéréométrie », qui permet de mettre le quartet au diapason. Sur les boucles de la flûte et un bourdon, il présente les musiciens, avant qu’ils ne reprennent le thème à l’unisson, avec des effets rythmiques en technique étendue, et Dumoulin au piano à pouces. Sur des riffs inamovibles, Soumano se lance dans un solo ethnique enjoué, suivi d’une courte intervention a capela de Chemirani. « Stéréométrie » donne le ton du concert : un melting-pot musical au forts accents du monde, jouée par des improvisateurs rompus au jazz.
Joce Mienniel, Chérif Soumano, Jozef Dumoulin, Keyvan Chemirani (c) PLM |
Une polyrythmie animée par la sanza, les percussions et la kora sert de base à une composition de Dumoulin. La thématique, tout à fait dans un esprit world, permet à Soumano de dérouler des lignes mélodieuses et délicates qui contrastent avec les réponses acérées de Mienniel, mêlées de souffles et de vocalises. Rituel des instruments migrateurs : chaque musicien effectue un solo intégral. Le premier de la soirée est celui de Soumano avec sa superbe kora Kaëlig. Après une introduction virtuose, le thème-riff débouche sur une alternance de lignes mélodiques et d’ostinato, vives et entraînantes. Le quartet interprète ensuite une pièce signée Chemirani : « A l’ombre de Soyé ». [Soyé] signifie l’ombre en persan, mais c’est aussi le nom de la chatte – persane – du percussionniste, et le morceau est initialement dédié au guitariste Jacques Pellen, décédé du covid en avril 2020. Le préambule de Chemirani au santûr mélange motifs mélodico-rythmiques et sonorité cristalline. Les contre-chants de la kora et le piano viennent bientôt soutenir le santûr, puis la flûte déroule un air solennel, que le piano renforce de ses traits élégants. C’est ensuite au tour de Mienniel de jouer son solo. A l’aide de ses pédales loop, il enregistre des boucles mélodiques et rythmiques puissantes qu’il superpose astucieusement, pendant qu’il joue sur différents plans. L’environnement hypnotique qu’il crée, ajouté aux effets étendus, génère une tension prégnante. Le solo de zarb de Chemirani est une véritable démonstration de musicalité. Sur une constante sourde, les roulements, frappes et frottements, véloces, bondissants, secs, forts ou doux, se succèdent dans un feu d’artifice rythmique. « Chérif’s Tune » commence par une succession d’envolées énergiques et de lignes mélodieuses, avant l’exposé à l’unisson d’un beau thème-riff, mis en valeur par une rythmique légère et entraînante. La flûte et le piano en profitent pour prendre des chorus particulièrement inspirés. Soumano électrifie sa kora et part dans un duo impressionnant avec les percussions, d’autant plus digne de celui d’un guitar hero, que les jets rythmiques de la flûte et les variations imposantes du piano s’immiscent dans la partie. Pour sa partie en solo, Dumoulin commence par des enchevêtrements de boucles sur lesquels se détache un motif mélodique minimaliste. Il intègre ensuite des effets électroniques – grondements, grésillements, sonars, trompes, vibrations, chuintements, moteurs – qui évoquent les abysses ou l’espace, et servent de décor aux envolées délicates du piano et aux interruptions de la sanza et du piano préparé. L’empilement des sons, des rythmes et des airs aboutit à une sculpture sonore complexe et fascinante.
Jozef Dumoulin, Joce Mienniel, Chérif Soumano, Keyvan Chemirani (c) PLM |
Les instruments migrateurs viennent du Mali, d’Iran, de Belgique, de France et d’ailleurs… mais qu’importe : musiciens de tous les pays, unissez-vous pour une musique du monde free ! C’est ce que nous pouvons souhaiter de mieux à cette humanité bien mal partie...
A la découverte de Kevin Reveyrand
Kevin Reveyrand accompagne aussi bien des chanteurs, de Charles Aznavour à Patrick Bruel, en passant par Aşa, Lara Fabian, Patricia Kaas... que des musiciens de jazz, à l’instar de Billy Cobham, Olivier Ker Ourio, Eric Séva, Khalil Chahine… Entre les tournées, les séances d’enregistrements et les master class, le bassiste a trouvé le temps de sortir son quatrième opus, Yolo, le 2 février 2024… L’occasion d’en découvrir un peu plus sur ce musicien versatile !
La musique
Mon choix de la basse s’est fait un peu par hasard… Avant mes dix ans j’ai joué de plusieurs instruments – guitare, piano, batterie – et j’ai aussi fait du chant. Pour mes treize ans, ma grande sœur m’a offert une basse, comme ça !
Je suis cent pour cent autodidacte. Je commence par relever tout un tas de musiques, du funk, du reggae, de la pop… Mais le jazz arrive rapidement car j’en écoute depuis mon plus jeune âge : mon père est disquaire et passionné de jazz, entre autre…
J’ai eu la chance de rencontrer énormément de musiciens de cultures très différentes. Ce qui m’a permis de développer de la polyvalence… Ce n’a rien à voir avec la tragique actualité, mais je pense que Sylvain Luc est l’un de musiciens qui m’a le plus influencé. Je suis également un immense fan de Louis Winsberg, Michael Brecker et Herbie Hancock.
Kevin Reveyrand - Studio l'Ermitage - 6 mars 2024 © PLM |
Cinq clés pour le jazz
Qu’est-ce que le jazz ? Pour moi, le Jazz est un état d’esprit, une ouverture vers les autres. Le fait d’improviser, d’avoir cette liberté, permet une approche alternative des autres musiques.
Pourquoi la passion du jazz ? C’est très grisant d’improviser ! Je pense que c’est avant tout cela qui m’a toujours attiré dans la musique de Jazz.
Où écouter du jazz ? Je trouve que la proximité des petits clubs est idéale…
Comment découvrir le jazz ? En étant curieux ! Et ce n’est pas valable que pour le jazz ! 😀
Une anecdote autour du jazz ? Il y a quelques années, au Cap-Vert, lors d’une série de concerts avec un quartet de jazz, j’ai joué dans un beau théâtre à Praia. Avant le concert, une personnalité importante du pays a fait un discours. Ne parlant pas portugais, je me suis laissé bercer par la musicalité de cette langue magnifique. À la fin de son discours, l’orateur a entonné « Imagine » de John Lennon. Au moment du refrain, toute la salle s’est levée pour chanter à l’unisson. Je garde toujours en mémoire ce moment et l’émotion profonde qui m’a envahi. Cela m’a confirmé le pouvoir fédérateur de la musique et le bonheur que l’art peut apporter au monde...
Le portrait chinois
Si j’étais un animal, je serais un chat,
Si j’étais une fleur, je serais un epiphyllum,
Si j’étais un fruit, je serais un ananas,
Si j’étais une boisson, je serais du rhum,
Si j’étais un plat, je serais un risotto,
Si j’étais une lettre, je serais un Y,
Si j’étais un mot, je serais communion,
Si j’étais un chiffre, je serais le 7,
Si j’étais une couleur, je serais bleu,
Si j’étais une note, je serais un Mi.
Les bonheurs et regrets musicaux
Je suis particulièrement heureux d’avoir pu aider à réunir les fabuleux musiciens qui ont rendu hommage à Ivan Jullien sur l’album Studio Davout… Et je regrette de ne jamais avoir joué avec Michael Brecker.
Sur l’île déserte…
Quels disques ? Kind Of Blue de Miles Davis, A Love Supreme de John Coltrane et le Concerto en sol de Maurice Ravel.
Quels livres ? La Nuit des temps de René Barjavel et Corps et Âme de Frank Conroy.
Quels films ? 12 Monkeys de Terry Matalas et Travis Fickett, Le Parrain de Francis Ford Coppola et Interstellar de Christopher Nolan.
Quelles peintures ? Vassily Kandinsky, Paul Klee et Mark Rothko.
Quels loisirs ? La musique ! 😀
Les projets
Aujourd’hui, je souhaite tourner avec mon quartet autour de l’album Yolo et développer ma musique avec un orchestre de cordes. Sinon, je veux aussi composer un nouvel album et adapter ma musique pour une formule en duo violoncelle et basse.
Trois vœux…
1. Plus d’empathie ;
2. Plus de bienveillance ;
3. Plus de tolérance.